Roy Haynes

Lugar: Sala Jamboree, Barcelona

Fecha: 5 de mayo de 2010

Roy Haynes, Jamboree, Barcelona 2010 (foto©Quim Cabeza)

Si estás en plena forma y la música es tu vida, lo mejor que puedes hacer es celebrar tu 85º cumpleaños con una gira mundial. Tal cual. Aterrizó en Barcelona Roy Haynes, leyenda viva del jazz, con sesenta años de carrera profesional a bordo de las mejores formaciones que ha dado el género: debutó a principios de los cuarenta en Boston, junto a combos tan potentes como los de Sabby Lewis, Frankie Newton o Tom Brown. En 1946 fue Louis Armstrong quien incorporó al baterista a su big band, y a partir de ese momento… Charlie Parker, Stan Getz, Miles Davis, Sarah Vaughn, Billie Holliday, John Coltrane, Dizzie Gillespie, Thelonius Monk, Bud Powell o Lester Young, entre otros. En los ochenta continuó trabajando incansablemente, esta vez junto a gente como Chick Corea o Pat Metheny, con quien compartió grandes giras e importantes grabaciones. En los noventa la inquietud de Danilo Pérez y John Patitucci no dejó que el baterista de Massachusetts se relajara; para el recuerdo queda aquel primer pulso titulado “The Roy Haynes Trio featuring Danilo Perez & John Pattitucci”.
La noche del 13 de marzo de este año, Haynes celebró su cumpleaños en la mítica sala Blue Note de Nueva York. Lo dicho, un tipo incansable, con carácter… Así que lo de la pasada noche en el Jamboree no fue un paseo-estancia en la ciudad condal; de eso, nada. Haynes vino a trabajar y a disfrutar de su cuarteto. Dejó para el recuerdo dos buenos pases. Para la ocasión Haynes apostó por algunos clásicos en su repertorio como “I hear Rhapsody”, “Bensha Swing”, “Chelsea Bridge”, “My hearth belongs to Daddy” o aquella revisión de Al Jolson, “Anniversary Waltz”, perteneciente al espléndido “When It’s Haynes It Roars” de 1992. Momentos inolvidables para una noche histórica –en todos los sentidos-, donde y por encima de todo, brilló la maestría de este enorme baterista.

Texto y foto por Quim Cabeza

http://www.distritojazz.es/2011/03/roy-haynes/

McCoy Tyner

 

Lugar: Teatre Grec de Barcelona

Fecha: 23 de julio de 2010

McCoy Tyner y Joe Lovano, Teatre Grec, Barcelona 2010 (foto©Quim Cabeza)

Tras la excelente experiencia que supuso el vínculo profesional en el Jazztet de Golson y Art Farmer, Tyner entró en los planes de John Coltrane poco antes de la grabación de aquel “My Favourite Things” (Atlantic Records) de 1961.
Junto al legendario cuarteto de Coltrane -Tyner, Jimmy Garrison y Elvin Jones-, Tyner pasará a la historia del jazz con lo escrito por esta formación en apenas cuatro años de actividad. Así, entre 1961 y 1965, el cuarteto de Coltrane dejó para el recuerdo algunos clásicos memorables como aquel Live at the Village Vanguard, Ballads, Live at Birdland, Crescent o el célebre A Love Supreme.
En 1967, Tyner firma con Blue Note Records y comienza una nueva etapa profesional con grabaciones importantes como aquel Tender Moments de 1967 o el reputado Extensions de 1970.
Su traslado a Milestones Records no le resta lucidez, y el pianista de Filadelfia continua editando buenos discos como Sahara Enligthenment y Fly With The Wind. Su calidad compositiva, así como su personalísima e influyente técnica terminaron de definir una de las carreras más importantes del jazz.
El pasado 23 de julio y dentro de la programación del actual Grec, McCoy Tyner volvió a certificar lo dicho junto a un enorme trío formado por Gerald Cannon en el contrabajo (Elvin Jones, Wynton Marsalis, Orlando “Cachaito” López o Miguel “Angá” Díaz”), Eric Kamau Gravatt en los cueros (Weather Report, Joe Zawinul o Wayne Shorter) y el gran Joe Lovano al saxo.
De este modo, la sutilidad interpretativa de Tyner quedó enardecida por el trabajo conjunto del trío y las excelentes escisiones de cada uno. Por un lado, una base rítmica sublime en pareja donde la musicalidad de Cannon se vio compensada por el magistral trasiego “seudorockero” de Eric Kamau Gravatt. Y en sintonía con Tyner, la técnica impecable de uno de los saxofonistas más importantes de la actualidad, Joe Lovano.
Trato igualitario, repaso de relicario, diálogos a cuatro voces y ninguna estridencia para un concierto plagado de grandes momentos. Lección de oficio.

Texto y foto por Quim Cabeza

http://www.distritojazz.es/2011/03/mccoy-tyner-joe-lovano/

Pat Metheny

Lugar: Auditori de Barcelona

Fecha: 21 de febrero de 2010

Con la presencia de Pat Metheny en el Auditori de la ciudad condal, la XXI edición del Festival de Guitarra de Barcelona presumió de lujosa apertura. El guitarrista de Missouri recordó a los allí presentes (lleno) que la sala barcelonesa es su lugar preferido en todo el planeta; quizá sea exagerado, pero, y de lo que no hay duda, es que el espacio es de lo mejor del país. Todo de cara, por tanto, para la presentación en directo de su último reto artístico, Orchestrion. En estudio, un buen disco, y en directo, una filigrana de la mecánica musical. Un nuevo pulso que derrumba una década creativa irregular con un proyecto excepcional.

Era evidente que el guitarrista dejaría pasar un par de cortes antes de despejar el interrogante. Así, dos pasajes acústicos como entrante para dejar caer el telón y vislumbrar la majestuosidad de esa orquesta acústica de autómatas domados por la ingeniería. Funciona -me dije-, y de manera armónica.
Las cinco piezas que componen su último trabajo –“Orchestrion”, “Entry point”, “Expansion”, “Soul search” y “Spirit of the Air”- respondieron sobre el escenario entre poleas, engranajes y tornillos. Para la crítica, el desarrollo lineal de las interpretaciones y el irremediable tono frígido que envolvió el concierto.
De este modo y tras la apabullante puesta en escena, la originalidad del proyecto y esa ingeniosa instrumentación, lo que al final queda es la música. Es por ello que las máquinas son lo que son, máquinas; y Pat Metheny “otro máquina” que evidenció maestría en las seis cuerdas y, sobretodo, en el show business. Puro espectáculo.

Texto y foto por Quim Cabeza

http://www.distritojazz.es/2011/03/pat-metheny-2/

Asian Dub Foundation

Fecha: 24 de marzo de 2011

Lugar: Sala Apolo, Barcelona
Crónica y Fotos, Quim Cabeza

Steve Chandra Savale (guitarra, programador, voz), Sanjay Gulabbhai Taylor (DJ, programador, fx, voz principal), Aktar Ahmed (voz principal), Al Rumjen (voz principal), Marty Savale (bajo, voces, programador), Prithpal Rajput (tabla, dhol, percusión)

De la proyección de unos talleres de programación electrónica para gente joven que un colectivo de inmigrantes asumió en las afueras de Londres (London’s Farringdon Community Music House) surgió Asian Dub Foundation a principios de los noventa. No siempre ocurre, pero de aquella propuesta nació un suculento proyecto capaz de canalizar los conocimientos del taller con una proposición reivindicativa envuelta en la esencia rítmica asiática sobre el sonido dance que se respiraba en el Londres en los noventa. Asian Dub Foundation aparecieron en la escena británica en 1995 con un primer álbum que ya dejaba entrever la oratoria de protesta del combo, “Facts & Fictions”. Durante un tiempo, ADF circuló desde la alternatividad y definiendo la línea compositiva del combo a base de directo. En 1998 su disco “Rafi’s Revenge” consiguió un Mercury Prize. Este hecho terminó de encumbrar el proyecto a primera línea mundial. Para muchos el hecho de que ADF aceptara el beneplácito de la industria musical -que ellos mismos tanto habían repudiado en sus letras-, fue un síntoma de incoherencia y de antagonismo ideológico inaceptable. Aún así y de interminables cambios formativos, el proyecto continuó editando discos importantes como aquel “Community Music” en 2000. 
En los más de quince años de trayectoria poco ha cambiado ASF: patronaje multicolor; percusiones aceleradas; electrónica opresiva; tan cerca del dub como del dance; epistolario reivindicativo al uso; espacio para el ragga… y para el harcore también. Y lo más importante: bailar mientras se grita que occidente se está equivocando; o algo así. Lo que sí ha cambiado es la intención del proyecto, es decir, lo que antes era un canal de exigencia actualmente es una digna revisión de aquello; sin más objetivo que la continuidad de algo que en su momento tuvo valor. Sea como fuere, la actualidad de ASF es la que es, desde la profesionalidad y el oficio. Aún así, la liaron en los últimos tramos del concierto con algunos retazos de su actual “A Hystory of Now” y el goteo obligado de alguno de sus clásicos como “Bride of  Punkara”, “Rise to Challenge” o “Speed of Light”.

Texto y foto por Quim Cabeza

Jim Jones Revue

Fecha: 10 de mayo de  2011

Lugar: Sala Apolo (2), Barcelona
Texto y foto, Quim Cabeza

Aún recuerdo el paso de aquellos Thee Hypnotics por la sala Garatge de Barcelona a principio de los noventa… Han pasado unos cuantos años de aquel concierto, tiempo suficiente para que, incluso, la emotiva sala cerrara. Por su parte, Jim Jones, miembro de aquel proyecto y posteriormente de los magnéticos Black Moses, sigue prodigándose desde el rock’n’roll, redibujando esa influencia con pinceladas de garaje aguerrido y otras denominaciones estilísticas sobre un quinteto rudo y curtido. Con su actual «Burning Your House Down», los ingleses estrenaron gira española en la pequeña sala del Apolo barcelonés, sin especulaciones y sobre un repertorio atractivo para el directo. El combo funciona por experimentado, con presencia estética e instrumental y una voz, la de Jim Jones, que por cazallera… llega. Lo dicho, el proyecto está francamente bien, con ese garaje-rock de manual donde todo se “pronuncia” igual; quizá ese sea su mayor mal: cuando has escuchado media docena de temas, ya no hay sorpresas, las dinámicas son inapreciables, los estribillos parejos y las estructuras idénticas. Realmente el quinteto dejó el resto sobre el escenario, con excelente actitud y un repertorio concienzudamente cosido… pero, incluso así, no conseguí mantener mi atención y me dejé arrastrar por una sala que aplaudió el arrojo de la banda pero que se marchó con cara de circunstancias y ese generalizado comentario de salida tan indefinido y prospecto del “no están mal, pero…”.
Como apunte final, el oficioso telonear de Schizofrenic Spacers y su rock clásico que, sin duda, ayudó a calentar el ambiente.

Texto y foto por Quim Cabeza

The Waterboys

The Waterboys
Fecha: 15 de abril de 2012
Lugar: Teatre Coliseum, Barcelona
Crónica y Fotos por Quim Cabeza

The Waterboys, Teatre Coliseum, Barcelona. 15 de abril de 2012

El año que viene se cumplirá el treinta aniversario de la creación del grupo. Durante este tiempo la banda “inglesa” ha vivido infinidad de permutaciones formativas generadas por la cantidad de cambios  de sede –de Dublín a Londres y de allí a Nueva York…-, que ha alternado su líder y cantante, Mike Scott. Y no sólo han cambiado sus componentes, también su estilo musical ha mutado en diversas ocasiones, viendo como el rock de sus inicios cooperaba con la música celta o transmutaba hacía el folk tradicional para recuperar electricidad años más tarde. Sea como fuere, el proyecto ha tenido dos momentos importantes: el primero con la edición de “This is The Sea” en octubre de 1985 y que supuso el espaldarazo definitivo para que el proyecto de Mike Scott fuese conocido en todo el mundo. Y tres años más tarde, con la edición de  “Fisherman’s Blues” que supuso su redescubrimiento y la reformulación creativa del proyecto.
Evidentemente, de los músicos que pasaron por ambos discos no queda más que su líder, Mike Scott, y la incorporación para esta gira de su violinista, Steve Wickham, que con su calidad y sonido transformó al grupo con su incorporación el 1985. Eso sí, en el repertorio… temas como “Girl Called Johnny”, “Don’t Bang The Drum”, “Whole of The Moon” o “Fisherman’s Blues” –que cerró el concierto- definen lo que fue The Waterboys y su recuerdo. 
En sí, el concierto en el Coliseum de Barcelona se centró inicialmente en la puesta en escena de lo que ha sido su último disco, “An Appointment with Mr Yeats”: una propagación musicada y una digna revisión poética de la obra de William Butler Yeats, y la recuperación de lo mejor de su discografía –sobre todo de los dos discos anteriormente citados-, para regocijo de todos sus seguidores que dejaron una buena entrada. Digna y oficiosa reaparición del grupo en nuestro país, con un directo aguerrido y oficioso –en ocasiones con exceso de épica- que dejó a la parroquia, como poco, satisfecha y viviendo los últimos retazos del concierto en pié y fuera de sus butacas.

Texto y foto: Quim Cabeza

http://www.indyrock.es/waterboys.htm

http://www.flickr.com/photos/quim_cabeza/

Bruce Springsteen & The E Street Band

Bruce Springsteen & The E Street Band
18 de mayo 2012 – Estadi Olimpic “Lluís Companys” de Barcelona
Crónica y fotos: Quim Cabeza

Bruce Springsteen, Estadi Olímpic de Barcelona, 18 de mayo de 2012

Después de destapar gira española en Sevilla el 12 de mayo y tocar en Las Palmas 48 horas después, Springsteen trasladó todo el despliegue logístico a Barcelona (más de 36 camiones escudan el show del “Boss” por Europa) para tocar dos noches seguidas en el Estadio Olímpico delante de 90.000 personas: el jueves en un recinto totalmente lleno y un aforo aproximado de 50.000 personas; mientras que el viernes la entrada se acercó a las 40.000. Con el nuevo disco, “The Wrecking Ball”, y la reciente perdida de su “enorme” saxofonista, Clarence Clemons, la nueva gira tenía argumentos suficientes para escuchar el nuevo material del grupo en directo, ver cómo se defendía el sobrino del saxofonista (Jake) recientemente fallecido y disfrutar, una vez más, de los clásicos. Por delante, más de tres horas de rock’n’roll al uso, con lo mejor de “The Wrecking Ball” en los primeros parámetros del concierto, y una versión bien planteada del clásico de Patti Smith -“Because The Night”- que ayudó a desentumecer al personal  antes de empezar a soltar metralla. Mentiré si digo que descubrí la esencia irlandesa de Springsteen el pasado viernes, pero sí fui consciente de la importante influencia que ha ejercido en él. 

De hecho, y en las fases más folckies del repertorio, visualizas todo esto en gran formato, dándote cuenta que Bruce Springsteen & The E Street Band no es más que una gran banda de garito irlandés puesta sobre un escenario de 120.000 vatios de sonido y otros tantos de luz. Eso sí, sin olvidar que todo esto ha pasado por la batidora creativa de Springsteen, su New Jersey natal y tantas otras cosas…, pero ese influjo cultural tan presente aún en la Norteamérica del siglo XXI, le persigue indudablemente.

Texto y fotos, Quim Cabeza

http://www.flickr.com/photos/quim_cabeza/

George Benson

George Benson, Poble Espanyol de Barcelona 2009 (foto©Quim Cabeza)

Lugar: Poble Espanyol de Barcelona

Fecha: 5 de julio de 2009

 George Benson (guitarra y voz); Randy Walden (piano); Kenny Campbell (drums); Stanley Banks (bajo); Michael P. O’Neill (guitarra)

Junto a Jack McDuff -con el cual estuvo hasta 1965-, demostró ser un prodigioso guitarrista; en los setenta y en una línea la continuista de McDuff, creó su propio proyecto con gente tan dotada como el gran organista  Lonnie Smith en sus filas; en los ochenta, un Benson mucho más maduro, dejó muestras de su enorme calidad como instrumentista con una decena de discos de edulcorada producción que redefinieron su trayectoria profesional en una línea mucho más comercial. Sea como fuere, sus discos se vendían, su sello le permitía producciones inimaginables para un músico del entorno jazzístico y su prestigio como guitarrista seguía intocable. Lo cierto es que George Benson hace años que no edita trabajos significativos pero sigue construyendo giras importantes con músicos de gran calidad. Lo del pasado domingo en el Poble Espanyol de Barcelona responde a este molde: un Benson en forma, no dio espacio a la improvisación, ni a las sorpresas…; una hora y veinte minutos de clásicos como Turn Your Love Around, This Masquerade, Give Me The Night o el memorable On Broadway aparecieron como se esperaba y en el orden previsto. Aunque el directo en algunos momentos pecó de cierto automatismo, el talento del combo ajustó con profesionalidad un guión exacto y sin sobresaltos. Previsible calidad.

 Texto y foto por Quim Cabeza

http://www.flickr.com/photos/quim_cabeza/

Christian Scott Quintet

Christian Scott Quintet

 Lugar: Sala Jamboree, Barcelona

Fecha: 23 de julio de 2010

Formación: Christian Scott (trompeta); Mathew Stevens (guitarra); Milton Fletcher (piano); Kristopher Keith Funn (bajo); Jamire Williams (batería).

Christian Scott Quintet, Jamboree, Barcelona 2010 (foto©Quim Cabeza)

Christian Scott  es uno de los trompetistas de moda en Nueva York y uno de los músicos importantes de la nueva generación de jazzistas americanos. Su última propuesta se llama Yesterday You Said Tomorrow (Universal, 2010), un disco grabado en los estudios del célebre Rudy Van Gelder, donde Scott descifra la fórmula mágica para concebir el jazz del siglo XXI. Arrogancia interpretativa para un quinteto enorme. Lo cierto es que no siempre es así, pero cuando lo hacen… A principios de año, el quinteto del trompetista se presentó en el pequeño Jamboree con su reciente Yesterday You said Tomorrow donde, además de una excelente acogida, la parroquia se quedó con el “verso perverso” de uno de los mejores quintetos de jazz que se puede ver en la actualidad. También este año, en Terrassa y dentro de su último festival, Scott no sucumbió ante la presión que despide el cartel egarense, realizando un excelente concierto. Para este julio, la agenda dejaba una curiosa coincidencia para los amantes del jazz: el mismo día, McCoy Tyner y Christian Scott; dos generaciones, dos visiones musicales y mucha calidad, en ambos casos. El primero registró una buena entrada para su clásico aleccionamiento mientras que el segundo realizó dos pases de los de tomar nota. Siempre hay cierto encorsetamiento en el primer pase que, esta vez, Scott y compañía despreciaron para dejar a la parroquia con las manos bien calientes. Para el segundo, un combo cosido y un repertorio musculado sentenciaron las posibilidades de una brillante formación donde destacar las manos de Milton Fletcher al piano y el patronaje volcánico de Jamire Williams en la batería. Energía interpretativa, incesante inquietud, trabajo de conjunto y un excelente temario. Poco que añadir cuando lo que se escucha es tan bueno.

 Texto y foto por Quim Cabeza

BRIAN AUGER’S OBLIVION EXPRESS

BRIAN AUGER’S OBLIVION EXPRESS

Lugar: Sala Jamboree, Barcelona

Fecha: 1 de agosto de 2009

Brian Auger (teclados); Savannah Auger (voz); Karma Auger (batería); Andreas Gett (bajo)

Brian Auger, Jamboree, Barcelona 2009 (foto©Quim Cabeza)

Quien tuvo, retuvo. En este caso, su enorme talento como instrumentista junto a una innata sensibilidad compositiva e interpretativa lo han convertido en toda una leyenda del Hammond-B3. No hacía mucho tiempo que su gira europea había visitado algunas ciudades españolas. Esta vez, con dos de sus hijos en el proyecto, el londinense visitó, en doble sesión, la mítica sala barcelonesa.  

Brian Auger formó su primer proyecto personal, The Steampacket, a mediados de los sesenta junto a Long John Baldry, Julie Driscoll, Vic Briggs y un jovencísimo Rod Stewart. Junto a Driscoll –con la cual formaría pareja formal-, terminó definiendola Brian Augerand The Trinity con la cual grabaría excelentes discos. Eso sí, la inquietud de este enorme teclista continuaría su progresión como músico y compositor con un nueva formación a la que denominó Brian Auger’s Oblivion Express en 1970 y que terminaría de establecer los parámetros creativos de su personal visión del jazz en un entorno de rock.

De todo esto han pasado muchos años; los suficientes como para que un tipo que ya ha cumplido los setenta pueda relajarse, “en exceso”, en sus giras. No es este el caso, ya que Brian Auger respira música las veinticuatro horas del día. Rock, jazz, funk…: un repaso planeado por su discografía con títulos como I Wanna Take you Higher, Listen Here, su personal revisión de aquel Pavane de Gabriel Faure y la memorable Indian Rope Man fueron suficiente entrega para una audiencia sumisa que se dejó las manos en cada uno de los cortes ante el que sea, posiblemente, el mejor teclista que ha dado el rock. ¿Alguien preguntó qué era el “groove?

 Texto y foto por Quim Cabeza